PONDRIA MAS PERO EL TITULO DICE LOS 12 MEJORES NO SE OLVIDEN COMENTRAR Y SEGUIR A ESTE BLOG DEJENME LOS VIDEOS DE ROCK QUE LES GUSTE QUE EL VIERNES YO SE LOS PUBLICO VISTENME A DIARIO HAY BLOG NUEVO TODOS LOS DIAS CHAO CHAO
La Gibson Les Paul fue diseñada por el músico e inventor Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul. Fue la transición de una guitarra española a una guitarra eléctrica, así lo dijo su creador. Es utilizada en todos los géneros de la música. Para muchos es la guitarra mas emblemática de... Ver mas
La Gibson Les Paul fue diseñada por el músico e inventor Lester William Polsfuss, más conocido como Les Paul. Fue la transición de una guitarra española a una guitarra eléctrica, así lo dijo su creador. Es utilizada en todos los géneros de la música. Para muchos es la guitarra mas emblemática de la historia. Famosos usuarios de esta guitarra son: Jimmy Page (Led Zeppelin), Slash (Guns N' Roses), Kirk Hammett y James Hetfield (Metallica), Billie Joe Armstrong (Green Day), Joe Perry (Aerosmith), Zakk Wylde (guitarrista de Ozzy Osbourne), entre muuuchos otros.
2. Stratocaster (Fender)
La tan famosa Fender Stratocaster, para muchos es la mejor guitarra de la historia. Junto a su eterna competidora, la Les Paul, nunca se ha dejado de producir. Es utilizada en todos los generos de la musica y ha sido "copiada" por varias marcas asiaticas debido a que por alguna razon lo unico... Ver mas
La tan famosa Fender Stratocaster, para muchos es la mejor guitarra de la historia. Junto a su eterna competidora, la Les Paul, nunca se ha dejado de producir. Es utilizada en todos los generos de la musica y ha sido "copiada" por varias marcas asiaticas debido a que por alguna razon lo unico patentado de esta guitarra es el clavijero. Algunos de los usuarios de esta guitarra son: Stevie Ray Vaughan, Kurt Cobain (Nirvana), Jimi Hendrix, Tom Morello, Kirk Hammett (Metallica), Rory Gallagher, David Gilmour (quien tiene la primera Stratocaster de la historia), entre muuuchos otros.
3. SG (Gibson)
Esta guitarra de forma parecida a la Les Paul no era en realidad de esta forma. La primera edición no fue bien recibida y se tuvo que rediseñar totalmente y este fue el resultado, la Gibson SG, algunas la llegaron a llamar Les Paul Junior, poniéndola como hermana menor de la Les Paul. Es... Ver mas
Esta guitarra de forma parecida a la Les Paul no era en realidad de esta forma. La primera edición no fue bien recibida y se tuvo que rediseñar totalmente y este fue el resultado, la Gibson SG, algunas la llegaron a llamar Les Paul Junior, poniéndola como hermana menor de la Les Paul. Es mayormente usada en el rock alternativo y el heavy metal. Algunos usuarios famosos de esta guitarra son: Jimmy Page (Led Zeppelin), Tony Iommy (Black Sabbath), Daron Malakian (System Of A Down), Slash (Guns N' Roses), Angus Young, entre otros.
4. Jem (Ibanez)
Esta guitarra que tiene como co-diseñador al guitarrista Steve Vai, quien a diferencia de otros si permito la producción en masa de su guitarra para la venta. Lo innovador de esta guitarra es el hueco que tiene a un costado que simula una agarradera.
5. Flying V (Gibson)
La Gibson Flying V es una guitarra eléctrica popular, su principal característica es su diseño en forma de flecha. Es muy utilizada por guitarristas de heavy metal. Al igual que la Explorer, esta guitarra no tuvo éxito en su lanzamiento y volvió a ser producida después para repuntar como un cl... Ver mas
La Gibson Flying V es una guitarra eléctrica popular, su principal característica es su diseño en forma de flecha. Es muy utilizada por guitarristas de heavy metal. Al igual que la Explorer, esta guitarra no tuvo éxito en su lanzamiento y volvió a ser producida después para repuntar como un clásico de Gibson, que demando a varias marcas de guitarras por copiar el modelo. Algunos usuarios famosos de esta guitarra son: Jimi Hendrix, Albert King, Dave Davies, Kirk Hammett (Metallica), Murdoc Niccals (Gorillaz).
6. Telecaster (Fender)
La Fender Telecaster, llamada a veces "la tabla", ha sido atravez de la historia como la hermana menor de la Stratocaster y algunas veces competidora de la Gibson SG. Se ha hecho incondicional en la música country y algunas veces en el soft rock. Algunos usuarios famosos son: Keith Richards... Ver mas
La Fender Telecaster, llamada a veces "la tabla", ha sido atravez de la historia como la hermana menor de la Stratocaster y algunas veces competidora de la Gibson SG. Se ha hecho incondicional en la música country y algunas veces en el soft rock. Algunos usuarios famosos son: Keith Richards (Rolling Stones), Bob Dylan, Pete Townshend (The Who), Albert Collins, Syd Barrett (Pink Floyd), entre otros.
7. Explorer (Gibson)
La Explorer en un principio se llamaba Futura por su diseño supuestamente "futurista" para la época en que se creo, después se detuvo su producción por la baja demanda y tardo casi veinte años en volver a ser producida junto a su hermana, la Flying V. Algunos de los famosos usuarios son: James... Ver mas
La Explorer en un principio se llamaba Futura por su diseño supuestamente "futurista" para la época en que se creo, después se detuvo su producción por la baja demanda y tardo casi veinte años en volver a ser producida junto a su hermana, la Flying V. Algunos de los famosos usuarios son: James Hetfield (Metallica), Eric Clapton, Allen Collin (Lynyrd Skynyrd), Dave Grohl (Foo Fighters), The Edge (U2).
8. Apex1 (Ibanez)
Esta guitarra es una idea de Munky (guitarrista de Korn) que le pidió a la empresa Ibanez una guitarra con un cuerpo clásico solo que le agrego una séptima cuerda mas grave y acabado como de piedra. Solo Head (ex-guitarrista de Korn) y Munky tienen en función una de estas guitarras aunque se ha... Ver mas
Esta guitarra es una idea de Munky (guitarrista de Korn) que le pidió a la empresa Ibanez una guitarra con un cuerpo clásico solo que le agrego una séptima cuerda mas grave y acabado como de piedra. Solo Head (ex-guitarrista de Korn) y Munky tienen en función una de estas guitarras aunque se ha hecho muy famosa por su innovadora séptima cuerda.
9. VMNT (Dean)
Esta guitarra es invención de Dave Mustaine (ex-integrante de Metallica) que tomo el diseño de la Flying V y le dio un toque mas agresivo; esto le trajo varios problemas con Gibson, quienes lo demandaron por "copiar" su modelo pero después de todos esos problemas, resulto esta guitarra que se ha... Ver mas
Esta guitarra es invención de Dave Mustaine (ex-integrante de Metallica) que tomo el diseño de la Flying V y le dio un toque mas agresivo; esto le trajo varios problemas con Gibson, quienes lo demandaron por "copiar" su modelo pero después de todos esos problemas, resulto esta guitarra que se ha ganado a muchos en el ámbito del heavy metal.
10. Jaguar (Fender)
Esta guitarra vino acompañada en su linea por otros dos modelos pero fue la que sobresalio. Se le puede decir como la prima de la Stratocaster y la Telecaster, aunque se alejo del ambito de estas, siendo reconocida mas bien en el rock alternativo. Algunos usuarios famosos de esta guitarra son... Ver mas
Esta guitarra vino acompañada en su linea por otros dos modelos pero fue la que sobresalio. Se le puede decir como la prima de la Stratocaster y la Telecaster, aunque se alejo del ambito de estas, siendo reconocida mas bien en el rock alternativo. Algunos usuarios famosos de esta guitarra son: Kim Gordon (Sonic Youth), Kurt Cobain (Nirvana), Brian Molko (Placebo), John Frusciante (Red Hot Chili Peppers), entre otros.
11. Iceman (Ibanez)
Esta guitarra es una de las primeras producidas por Ibanez. Es de las pocas guitarras aparte de la Les Paul y la Stratocaster, que han sobrevivido el paso del tiempo sin dejar de ser producidas aunque con muchos altibajos. Algunos usuarios de esta guitarra son: Paul Stanley (Kiss), Sam Totman... Ver mas
Esta guitarra es una de las primeras producidas por Ibanez. Es de las pocas guitarras aparte de la Les Paul y la Stratocaster, que han sobrevivido el paso del tiempo sin dejar de ser producidas aunque con muchos altibajos. Algunos usuarios de esta guitarra son: Paul Stanley (Kiss), Sam Totman (Dragonforce), Jay Juenger (White zombie) y Daron Malakian (System Of A Down) quien innovo con sus Iceman Custom.
12. RX-720 (Cruiser by Crafter)
En realidad esta guitarra no tiene algun tipo de historia, sino que la puse por puro gusto propio porque yo tengo esta guitarra y para mi es la mejor guitarra pero por lo menos diganme que les parece.
Chao chao gracias por ver mi blog no te olvides de seguirme y comentar visita el blog publico a diario y un video al final de este blog ahh no te olvides de dejarme un tema y un video que te guste que yo te lo publico
Han llegado los 10 mejores… los dioses de la guitarra. Esos que no solo destacan por su técnica, su onda o su trascendencia. Son músicos que han revolucionado la manera de transmitir el lenguaje musical.
Y llegamos a los 10 primeros. Ya era hora de saber quienes estaban en el tope de este extenso y estudiado ranking, del que ya entregamos laprimera ysegunda parte.
Hemos viajado por el blues, el metal y el rock. Muchos han dado su veredicto, y claramente ponerse de acuerdo con una lista objetiva es imposible.
Lo importante es tener claro las categorías en las cuales clasificamos y objetamos al momento de analizar un guitarrista. Hay bases irrefutables del rock que no pueden ser pasadas a llevar… que si no hubieran existido estaríamos con muchas cojeras en toda la gama de sonidos.
Dicho esto, vamos desde el 10 al 1 10) Pete Townshend (The Who) Menciones: Onda y Trascendencia
Pete Townshend debe ser uno de los íconos mas representativos de cómo un guitarrista debe enfrentar el rock.
No sólo por ser parte de una de las bandas más importantes de la historia del género (en donde fue principal compositor), sino que también es forjador de un trabajo absolutamente integral entre música, visual y sonidos.
¿Música? Townshend es creador de “Tommy”, la obra prima del género “ópera rock” (ojo… 10 años antes que “The Wall”). ¿Visual? Townshend impuso un estilo único para tocar la guitarra, casi como golpeándola para que emitiera sonidos.
¿Sonidos? Townshend logró fusionar sus influencias de diversas artes y creencias, como su fidelidad al Meher Baba (gurú religioso) y el arte autodestructivo del pintor austríaco Gustav Metzger. De ahí viene la tradición de The Who de romper sus instrumentos al final de cada concierto.
Si podemos resumir el impacto de este británico es algo muy simple pero al mismo tiempo… vital. Townshend desordenó el rock y golpeó la mesa desde otro punto de vista, reordenando el prisma de cómo generar sonidos y haciendo escuela para muchos que vinieron después… un maestro.
9) George Harrison (The Beatles) Menciones: Trascendencia
Harrison puede ser considerado un vértice de mutación en el cómo tocar guitarra. No tanto en la técnica sino que en la musicalidad.
Ahondemos. The Beatles es la banda que definió muchas bases (para no decir todas) del sonido rock. Esto se encaja en la mezcla del clásico rock and roll 60ero con la música modal (música culto formal clásica) y las diversas influencias de Paul, John, Ringo y nuestro ya mencionado Goerge.
Dentro de este proceso, mucho de esta “cascada de ideas” recaía en Harrison, quien además la nutrió con un ecléctico viaje sonoro entre los bares de europa y la India. Este último lugar, tal vez, fue clave en el impacto espiritual y sensitivo del sonido de Harrison.
No era un técnico, pero si un creador en su instrumento de aquellos. No estamos hablando de cualquier guitarrista, sino que del guitarrista de The Beatles. Y eso basta y sobra para estar entre los 10 mejores.
8. Eddie Van Halen (Van Halen) Menciones: Técnica, Trascendencia
Van Halen es sin lugar a dudas una de las grandes bandas del rock. Y una de las principales razones de eso es este holandés.
Por qué recalco lo de holandés: Eddie trajo en su ADN el sonido metal europeo hacia nada más y nada menos que California… tierra de las oportunidades. Nadie sabía que junto a su hermano tocaban instrumentos absolutamente contrarios (Eddie tocaba batería y Alex la guitarra), hasta que Eddie aprovechó el parrandeo de Alex para tocar su guitarra hasta 8 horas seguidas sin parar.
Todo este proceso puede parecer muy similar al de otros de esta lista. Pero hay una diferencia: Eddie forjó su sonido escuchando lo mejor de los 2 mundos en la guitarra… por un lado Clapton y Alan Hollsworth… por otro lado Brian May y Jimmy Page.
Es por esto que Van Halen tiene un sonido tan único. Principal precursor del Floyd Rose (Trémolo integrado a la Microafinación), uno de los recursos más utilizados en el glam… y ojo que vino del metal.
Así de específico y duro es el aporte de Eddie Van Halen a la historia de los guitarristas rock. Y pensar que si Gene Simmons no los ve en un club, la historia sería otra…
7) Brian May (Queen) Menciones: Técnica, Trascendencia
Cuando pensamos que después de The Beatles se acabó la magia, apareció Queen.
Esta banda inglesa, como dije en algún artículo anterior sobre Freddie Mercury, era un cuadrado perfecto. Pocas veces se había visto una sinergia musical tal como en Taylor, Deacon, Mercury y nuestro querido Brian May.
Sabías que todo… ABSOLUTAMENTE TODO los solos y compings de Brian May pueden ser traspasados a partitura? Esto no es casual, ya que May como buen astrofísico con PhD en el Imperial Collage de Inglaterra era un perfeccionista métrico y musical, pero además con un gusto y una sensibilidad poco antes visto en un guitarrista.
Hablamos de un londinense que prefería tocar con una moneda su guitarra Red Special (Hecha por él mismo) para darle un sonido más metálico, sumado a una de las técnicas armónicas más completas en la historia de los guitarristas.
May logró nuevamente fusionar los modos formales de la música con el rock clásico británico. Innovando y viajando siempre por los diversos ritmos y armonías, inyectó elegancia y virtuosismo al rock en un momento en el cual la psicodelia se apoderaba del género.
Brillante, sencillo y efectivo…
6) David Gilmour (Pink Floyd) Menciones: Técnica, Trascendencia
Si existe un guitarrista que haya expandido más los sonidos de una guitarra, ese es Gilmour.
No sólo sus trabajos junto a Pink Floyd han sido lo que ponen a Gilmour en el olimpo. Este oriundo de Cambridge es un multi-instrumentista que ha basado su estilo en zonas de estudio basados en la musicalidad (uso de pentatónicas) y el equipamiento de emisión (sintetizadores, phasers y compresores).
¿Qué significa todo esto? Hablamos del guitarrista que sin lugar a dudas, dedicó su vida a explorar y envolverse en nuevos sonidos bajo dos parámetros claros, pero no menos engorrosos. Su sensibilidad, su emocionalidad frente al mundo que lo rodea y su constante curiosidad se ven reflejadas en una mezcla perfecta entre lo clásico y la tecnología moderna.
No creo que exista otro guitarrista que sea tan influyente en el sello de no sólo una banda, sino que de un género entero como el art rock progresivo. Si uno escucha a bandas como Nine Inch Nails y todo el post industrial, es cosa de volver hacia “Animals” y ver que Gilmour ya lo hizo todo.
Gilmour es con todas sus letras… un genio… de esos que salen cada 50 años en la música.
5) Eric Clapton (The Yardbirds, Cream) Menciones: Técnica, Onda, Trascendencia
No podía faltar entre los 10 primeros “Slow Hand”. Tal vez uno de los fusionadores más efectivos e intuitivos del blues rock negroide junto con el rock clásico psicodélico setentero.
Y claro. Como si fuera poco haber sido uno de los primeros Yardbirds, Clapton absorbió el rock clásico junto a Cream, con Ginger Baker y compañía… eso ya dice mucho.
El principal argumento que hace que este británico se encuentre en lo alto de este ranking se basa no sólo en su avanzada y trabajada experticia en tocar el instrumento, sino que en su extrema sensibilidad al aplicar las bases del blues en el rock contemporáneo.
Clapton puso en una juguera a próceres como Muddy Watters, BB King y Robert Johnson… le agregó una pizca de folk estadounidense con Bob Dylan, un poco de rock and roll old school con George Harrison… unas escalas por aquí, un poco de rock por allá.
¿El resultado? Un fresco, pero al mismo tiempo clásico batido de rock y blues, fusionando el poder del primero con la emocionalidad del segundo.
Eric Clapton es escuela… ser el 4to mejor guitarrista de la historia según la revista Rolling Stone, sumado a que Fender hizo un modelo Stratocaster bajo su nombre, habla de un músico legendario y eterno.
4) Chuck Berry Menciones: Onda, Trascendencia
Este oriundo de St.Louis, hijo de un diácono bautista, podemos definirlo como el primero que le pegó a la guitarra para hacerla sonar rock and roll. Y eso amigos míos, es el comienzo de todo.
A principios de los años 50, la guitarra era tu acompañante correcta y ordenada… casi fome. Berry la transformó en una insaciable, en una protagonista.
Y los documentos lo dicen. El Rock and Roll Hall of Fame lo describe como “el adjudicado más cercano a la creación del rock and roll”. Si es así… como muchos lo consideramos, hablamos del motor inmóvil. Del punto cero en la generación de absolutamente todos los sonidos del rock. “Johnny B Goode”, “Maybelline” y la cubierta por The Beatles “Roll over Beethoven” son ejemplos de cómo Berry fue pionero en su tierra, encargándose de esparcir como un virus esta nueva manera de sacarle sonidos a su guitarra por todo un enorme país controlado por el swing y ansioso de desorden.
Berry no es sólo un guitarrista de aquellos, él es la muestra de cómo un cambio en la música puede lograr un impacto en los oídos de una sociedad…. Si puedes hacer eso sólo con tu guitarra, tienes tu sector en el olimpo.
3) Jimmy Page (Led Zeppelin) Menciones: Técnica, Onda y Trascendencia
Hemos llegado a los 3 primeros… tal vez la diferencia entre estos tres es mínima, por lo que el número del ranking no importa mucho. Pero yo los clasifiqué así por mínimos detalles que trataré de explicar.
Empecemos por el versátil Page.
No hay duda (insisto, no la hay) que este oriundo de Heston (Inglaterra) debe ser el guitarrista más versátil e influyente del rock. Su historia lo confirma…
El más virtuoso de The Yardbirds, “Little Jimmy” improvisó en su juventud junto a genios como Jeff Beck y Eric Clapton en el famoso Marquee Club de Londres, cuna de generación rock.
Fue por mucho tiempo músico de sesión, lo que le dio la capacidad de tocar lo que sea, a pesar de pertenecer a un ecosistema rock tan receloso como el británico. Aunque sin lugar a dudas, ser el favorito de uno de los grandes productores de la historia del rock británico (Shel Talmy), lo hizo empaparse de dinamita musical al grabar para grandes como The Kinks o The Who… he ahí el comienzo de un mounstro de la guitarra.
A pesar de que antes de llegar a Led Zeppelin podría haber sido parte de una de los proyectos más colosales de la historia del rock clásico (Keith Moon en batería, John Paul Jones en el bajo, Nicky Hopkins en teclados y Jeff Beck en guitarras junto a él), Page fue el forjador del sonido más característico del rock de los setentas hacia el presente. Desde la ejecución de sus solos a la post producción.
¿Ejemplos? ¿Qué tal el riff de Whole Lotta Love, considerado uno de los mejores de la historia del rock? ¿Su sólo en Heartbraker a dos manos en el mástil, influencia directa hacia Eddie Van Halen? ¿Su técnica de grabación basada en el juego de planos y ecos con los micrófonos, creando nuevas atmósferas tonales?
Para que hablar de su aporte a Led Zeppelin y al rock clásico. Jimmy Page es la consolidación de un guitarrista con la habilidad de tocar absolutamente de todo con su sello, sumado además a su presencia escénica reptil, como si el rock pasara a través de golpes eléctricos por su cuerpo.
Mounstro, maestro, escuela, genio y figura…
2) Ritchie Blackmore (Deep Purple, Rainbow) Menciones: Técnica, Onda y Trascendecia
Si Jimmy Page es considerado uno de los padres del rock clásico, Ritchie Blackmore está en el mismo nivel del árbol genealógico, pero no en la misma rama.
Este nacido en Weston (Inglaterra), fundador de las bandas anteriormente mencionadas, es el forjador y consolidador del otro riel del rock. Ese donde los sonidos neoclásicos se amalgaman con el poder de los riffs. Hablamos del hard rock y posteriormente el power metal.
Blackmore es un clásico de pies a cabeza, empapado por la música modal y discípulo de la guitarra clásica. Es raro que sus influencias directas sean Mozart y Bach al lado de las de sus colegas.
Eso se ve reflejado en su lenguaje… en su texto al improvisar y construir. Era simplemente único. No hay sonidos anteriores que se le parezcan, ni creo que haya en el día de hoy. Blackmore representa la cumbre en la unión de lo clásico y el poder del rock, definiendo no sólo un estilo de ejecución, sino que una siembra de sonidos inagotable.
Ritchie Blackmore es sinónimo de velocidad, técnica, musicalidad y elegancia puestas en su justa medida en una guitarra. Nunca sabes dónde te va a llevar con tus solos, desplazándote por pentatónicas, blues, power riffs hasta incluso notas orientales.
Tal como el padre de la música Bach, Blackmore no sólo se preocupa de su sonido, sino de la atmósfera alrededor de ese sonido… y eso sólo lo hacen los elegidos de los dioses del rock.
1) Jimi Hendrix (The Jimi Hendrix Experience) Menciones: Técnica, Onda y Trascendencia
De verdad no sé como empezar a describir a Jimi. Créanme que es difícil. Hablamos de un guitarrista más allá de su guitarra o de su sonido implacable y majestuoso, o de su onda en vivo, o de su perfeccionismo al grabar (por lo menos 40 tomas por canción). Simplemente, no me imagino el rock sin Jimi Hendrix.
El mejor guitarrista de todos los tiempos y el 6to artista más importante de la historia según la revista Rolling Stone. El mejor guitarrista eléctrico de la historia según la revista TIME. El mejor de los mejores según la votación de 4000 lectores especializados de Total Guitar. El mejor riff de la historia con Voodo Child, según el sitio británico Music Radar… y la lista sigue…
¿Cómo describir a un guitarrista como Jimi, que al parecer nació con el rock en sus glóbulos? Pensemos que su padre no tenía dinero para comprarle una guitarra en su infancia, y le regaló un ukelele (guitarra hawaiana). Pago 1 millón de dolares por escuchar esas primeras composiciones… así de simple.
Este oriundo de Seattle se hizo pasar por gay al ser enrolado por las Fuerzas Armadas de EE.UU. para poder salirse y seguir tocando guitarra. Pasó de tocar en los circuitos más puristas del blues y el soul en Tennesee a sumergirse en el difícil, pero al mismo tiempo enriquecido underground de Harlem, donde terminó de convertirse en un ícono.
Si podemos describir hitos dentro de la carrera de Jimi, uno es claramente cuando nuestro gran Frank Zappa viajó a Nueva York sólo para pasarle un pedal wha-wha, el cual sería su fiel espada por el resto de sus días.
Lo imponente y magnífico del sonido de Jimi Hendrix es que es indescriptible. Nadie aún se explica de manera músical y emocional cómo fusionó su escuela blues con el rock, y le dio una identidad única. Tal vez su condición zurda, su perfeccionismo extremo y su hipersensibilidad fueron los factores claves en conseguir ser sin lugar a dudas el referente del rock en cuanto a guitarras.
No hay nada más que decir que es un GENIO fuera de este planeta. La simbiosis perfecta entre humano y guitarra, como si la última fuera una extensión de su cuerpo. Una metralla de notas incansable y llena de cojones.
El mejor… no hay nadie como él, ni lo habrá nunca…
Las gracias a todos los que cooperaron en la construcción de este ranking… Victor Jesam, Matías Astudillo, Absalon Gallegos y muchos colegas más…
En esta segunda entrega (20 al 11), se mezclan antiguas leyendas con algunos visionarios… Un grupo selecto de albañiles que construyeron el olimpo de las guitarras.
Bueno. Tras la primera, va la segunda parte… Aunque no lo crean, es la parte más difícil. Son maestros que rozan en ser los mejores, pero por una u otra razón les faltó eso, que define lo real de lo inmortal. Habrán muchas opiniones a favor y en contra… pero recuerden que nos seguimos rigiendo por las 3 calificaciones: Técnica, Onda y Trascendencia. 20) Slash (Guns N’ Roses / Velvet Revolver) Menciones:Onda, Trascendencia
¿Qué se puede decir de un ícono del rock como Slash? Porque eso es… un ícono.
Claro… no es el más limpio del mundo, ni ha trascendido por su técnica. Pero hay hechos y datos que lo hacen estar en este ranking sin lugar a dudas.
Cuando eres partícipe del álbum debut con más ventas en la historia, no eres del montón. Slash siempre destacó más allá de su sonido “cantina rock”… desordenado pero con mucho filo… la onda que tiene arriba del escenario es siempre “suma” con cualquier cantante de cualquier estilo.
Y claro, si has cooperado con gente desde Bob Dylan y Michael Jackson hasta Mercedes Sosa y Marta Sánchez, lo primero que se viene a la cabeza es “puaj!”. Pero ojo… no lo es tanto.
Slash trajo nuevos aires a la “posición” de guitarrista en una banda. Le dio un carácter absolutamente independiente, sin perder su conexión con los demás miembros como un todo. Aportó con un peso específico visual y un “live varieté” que en cada concierto nos sorprendía. Ningún solo lo tocaba igual en cada concierto… siempre amoldaba un par de acordes más o menos, lo que provocaba esa típica tensión y ansiedad de pensar “ahora viene el solo de Slash”.
Su famoso gorro de copa, sus rulos, su cigarro en la boca son marca registrada de este nacido en Inglaterra y posteriormente nacionalizado estadounidense. Miembro de una de las bandas más importantes de la historia del rock dentro de la conexión música / industria, Slash es una imagen que siendo como es se nos quedó grabada a todos en nuestras mentes rock… grabada como esta presentación, para mí el último registro de rock verdadero en vivo y en directo en TV. Dana Carvey dijo al presentarlos “la mayor producción en vivo en la historia de MTV”… no lo duden… la orquesta, la banda, los coros, Sir Elton John… todo en vivo. Para que hablar de los solos del personaje en cuestión. Un CRACK… y pensar que audicionó para Poison y no les gustó…
19) Zakk Wylde (Ozzy Osbourne, Black Label Society) Menciones: Onda, Técnica
Damas y caballeros, les presento a “La Bestia”
No creo que haya mejor apodo para uno de los guitarristas más carismáticos y potentes del rock.
Una leyenda en su país. También parte del ejército del rey de las tinieblas (Ozzy) de 1987 hasta el 2009. Trabajo no menor sabiendo que tenía que llenar los zapatos del fallecido Randy Rhoads.
Wylde es de esos guitarristas que pueden poner en trance a 80 mil personas con sólo cuatro acordes. Su sonido poderoso, imparable y concreto a un sonido metal puro mezclado con hard rock puro. Puede sonar fácil… pero unir estos dos elementos de la “tabla periódica” del género es mucho más difícil de lo que creen.
Bueno, Wylde lo hace y con una maestría casi traída por ADN. Tal vez no es un guitarrista trascendental en la historia de amor entre el rock y las guitarras, pero si puede ser marcado como un puntal… una cumbre donde el hard rock y el metal llegaron al mismo tiempo. Puede ejecutar riffs hard rock tan fuertes como barridos y ligatos exclusivos del metal. Un híbrido muy difícil de encontrar en nuestros días.
Consolidar un sonido de tal magnitud es tarea de gigantes, y Zakk Wylde es de los gigantes más altos. Aquí una muestra en Live at Budokan junto a Ozzy. ¿O ustedes creían que solo el gran Jimmy hizo una versión del himno de EE.UU. a la altura?
18) Uli Jon Roth (Scorpions) Menciones: Técnica, Trascendencia
Dentro del movimiento metal neoclásico… ese de orquestas, escalas, cadencias y mucha nota barroca, hay exponentes de gran nivel. Pero hay un papá… un punto cero de esta corriente que más que mal, inspiró e innovo el metal hacia algo mucho más allá de las fronteras del riff duro… le dio carisma, virtuosismo y sobre todo musicalidad .
Este papá se llama Uli Jon Roth. El primer guitarrista de Scorpions que reemplazó temporalmente a Michael Schenker en los años 70.
¿Qué significó esto? El Scorpions que no muchos conocen, pero que los verdaderos fanáticos adoran. Un sonido rock tremendamente espiritual y apegado al sonido de Roth, plagado de solos extensos llenos de dramatismo y camas modales en tonos menores.
Para ser más concretos, todas las canciones que escuchan de este metal en español “épico” (Mago de Oz, Rata Blanca) no existirían si este padre no hubiera engendrado este sonido. Y es un sonido con mucha técnica… tal vez no veloz ni sorprendente en lo visual, pero con una riqueza musical / tonal invaluable.
17) Keith Richards (Rolling Stones) Menciones: Onda, Trascendencia
Primero: Démosle todos las gracias a la Doris Dupree Richards (madre de Keith), que le presentó a su hijo la música de Louis Amstrong, Billie Holliday y Duke Ellington.
Y claro, Richards es junto a Mick Jagger los bastiones de los Rolling Stones. Pero la importancia del nacido en Dartford (Inglaterra) va mucho más allá.
Si ponemos a Richards en un arbol genalógico de guitarristas (casi al estilo “Escuela de Rock), se encontraría una rama abajo de Chuck Berry. No sé si me empiezan a entender la idea.
El rock and roll y el blues siempre coquetearon en los 60’s y 70’s. De hecho, son el primer cimiento de todo lo que escuchamos hasta el día de hoy.
Teniendo eso en cuenta, Keith Richards es la ópera prima de esta relación. No es un virtuoso, no hace tappings a la velocidad de la luz ni tampoco barridos de 7 notas. Pero todo lo compensa con sus riffs casi históricos para el género.
Con tan pocos recursos de grabación y registro, Richards generó en si una hipersensibilidad hacia el rock and roll única en su tiempo, transformando el sonido de los Rolling Stones en una banda de rock clásico con identidad clásica, sonido clásico y comportamiento clásico.
Y es obvio… comienzos como el de “Start me up” y “Satisfaction” son piezas históricas. Pero por sobre todas las cosas, los rieles por donde van estas canciones son obra y gracia de Richards… siempre mezclando e innovando en nuevas formas de fusión del blues y el rock and roll. Y esa manera de trabajar las composiciones y el cómo les daba vida en vivo es su mayor legado.
Como ejemplo, tal vez uno de sus mejores solos según muchos… y para mi la mejor canción de los Stones (sin ser fanático)
16) Joe Satriani Menciones: Técnica, Onda, Trascendencia
Sin lugar a dudas, Satriani debe ser por paliza uno de los guitarristas de rock instrumental y sesionista más exitoso de los últimos 30 años.
Poseedor de un dominio absoluto de géneros musicales y técnicas, uno de los grandes logros de “El Profesor”, como algunos le dicen, al haber sido maestro de gente como Steve Vai y Kirk Hammett (aunque este último no resultó muy bien al parecer), es acercar la disciplina del rock instrumental y del “sesionismo” a la industria. Su álbum de fines de los 80’s “Surfing with the alien” debe ser el único registro que conozco de este estilo en ganar un premio Grammy y vender más de 15 millones de copias en todo el mundo.
Si Sammy Haggar dijo en una entrevista: “Es el mejor guitarrista con el cual he tocado en mi vida”, es porque Satriani es un capo de aquellos.
Tal vez su técnica de ligato en los solos veloces es lo que da una sonoridad mucho más afín a un sonido “consumible” por el común de las personas. Aún así, su creatividad y dinámica en vivo rozan la perfección.
Con todo lo que dije, tal vez debería ser número 1 no? Pero hay un tema… el componer cercano a la industria te baja “pelómetro”… No digo que Satriani se haya vendido al sistema, pero si claramente explota el “pop” del sesionista en imagen y coarta tal vez una composición más arriesgada dentro del rock.
De todas maneras, es un maestro… porque le enseñó a varios de los que están aquí… y seguirá siendo escuela por mucho tiempo.
15) Dave Murray (Iron Maiden) Mención: Técnica, Trascendencia
No creo que exista un guitarrista que toque tan bien y tan leal el metal que Dave Murray.
Este británico es una muestra de cómo algo tan importante como la primera guitarra cumple una doble función en el género: Una técnica absolutamente limpia, dinámica y sin errores (incluso en vivo) que brilla como debe ser en el metal, y una funcionalidad absoluta sumatoria ante un bloque sonoro disciplinado y claro como es el de Iron Maiden.
Un ejemplo claro de lo que trato de explicar… Murray le saca un sonido absolutamente metal puro de alto calibre a una guitarra que no se caracteriza por ese modo (Fender Stratocaster). Eso se logra no solo con una técnica limpia, sino que también apegada a la musicalidad y sonoridad del metal moderno.
Los solos de Murray se caracterizan principalmente por esta explosión de notas en cadena después de mini introducciones en bloque y poderosas, siempre bajo el alero de una escala bien definida dada por la composición y matices de cada canción.
Estamos hablando en resumen de una suma perfecta entre técnica y musicalidad, que es escuela fija para todos los que empiezan su camino en el metal. En mi opinión, uno de los mejores en su rubro, sino el mejor.
14) Robert Fripp (King Crimson) Menciones: Técnica, Trascendencia
Nadie puede negar la tremenda influencia de King Crimson en el rock progresivo. Si uno escucha los solos de Fripp, es escuchar The Mars Volta, Mr Bungle y toda la gama de ideas que destacan no sólo en lo progresivo, sino que también en lo psicodélico.
Dentro de toda esa cadena se encuentra Robert Fripp. Un pensador. Un eterno renovador de sonidos que llevó la guitarra a sonidos vanguardistas para la época. Pensar que a los 14 años ya empezaba a ser puntal del movimiento progresivo en Inglaterra.
Su técnica se basaba en las disonancias y el frenetismo encajados en secuencias y delays. La atmósfera creada, en muchas ocasiones, casi rayaba en lo que conocemos por industrial. Por lo mismo que Fripp tiene el respeto de todos sus colegas, ya que insertó a la guitarra en un terreno inhóspito, atractivo y lleno de posibilidades sonoras.
Más de este inglés no se puede hablar, ya que de por sí su propuesta es bastante indescriptible (lo que no significa que sea mala, al contrario). Sólo que se clasifica en la categoría de artesano. Pero no cualquiera… uno bueno y vanguardista.
13) Yngwie Malmsteen Menciones: Técnica, Onda, Trascendencia
De todos los sesionistas que hemos enumerado en este ranking, me atrevo a decir que Malmsteen está en un escalón más arriba que los demás. No sólo por su técnica o por ser “el” referente de la ejecución del metal neo-clásico. Ver a Malmsteen en vivo es sinónimo de rock por donde se le mire.
Este sueco da pie a una de las grandes iniciativas que ha vivido el género. Interpretar música clásica en una guitarra eléctrica era algo lejano en los 70’s, pero gracias a la creación del “shredding” como movimiento en el círculo de los guitarristas (un estilo de tocar basado en la velocidad, técnica y virtuosismo musical), la manera de componer el metal se vio enaltecida por el desafío y la perfección.
Dentro de todo esto, Malmsteen es uno de los guitarristas más completos en todo sentido. Es cierto que Vai, Satriani, Becker, Friedman, Petrucci van por el mismo riel. Pero establezco a Yngwie mas arriba por un tema de sensación. El se nota que lleva el rock en la sangre y lo transmite a través de una técnica depurada por lo clásico.
Creo que nunca en mi vida volveré a ver a un guitarrista tan conectado con los sonidos modales y atrevido con hacerlos suyos. Conectar la guitarra eléctrica con los distintos movimientos en una composición clásica puede sonar absurdo, pero Malmsteen lo hace real y palpable. Su mano izquierda en el brazo es casi como si flotara… un extraterrestre…
12) Jeff Beck Mención: Onda, Trascendencia
El no es un gran ícono. No es un virtuoso de multi escalas ni velocidades. Pero si existe algún guitarrista más útil al rock que Jeff Beck, por favor díganmelo… porque hace tiempo que no lo encuentro.
Si nos ponemos a enumerar con cuanta gente importante y referente del rock ha grabado este oriundo de Wallington (Reino Unido), no terminaríamos nunca. Mick Jagger, Jon Bon Jovi (Blaze of Glory), Eric Clapton (fue parte también de The Yardbirds con Jimmy Page), Cozy Powell, Terry Bozzio y podría seguir…
La gracia de Beck es que es un multiestilo. Su feeling con el hard rock es al mismo alto nivel que con el blues, el jazz y las respectivas fusiones. Por lo tanto, su capacidad como ejecutor y compositor se despega de haber sido solo un guitarrista de algún proyecto. De hecho… el siempre busca nuevos sonidos trabajando con diversos referentes de los estilos mencionados anteriormente.
Tomando en cuenta todo lo dicho, súmenle que hablamos de un guitarrista que usaba una hoja de afeitar en los 60’s para cortar su ampli y producir distorsión. Trabajar a ese nivel de crudeza sonora es por decirlo menos… heroico. Para que hablar de su maestría con el wha-wha en el blues… Pionero de pioneros.
11) Frank Zappa Menciones: Trascendencia
Ustedes se preguntaran por que no puse otras menciones… lo que pasa es que hablar de Frank Zappa es hablar de uno de los guitarristas que inventó la categoría dentro del tocar guitarra.
Y no sólo eso… Zappa fue un lider a través de su música del movimiento underground en contra de lo establecido y lo formal. Se justifica claramente por la época en que él empezó a escuchar música, donde los referentes y las ideas no eran muchas o eran fijadas por esta “sociedad formal”. Zappa fue siempre más allá, esuchando a los “rebeldes alternativos” de la música culto formal (avantgarde) como Stravinsky y Varese.
No hablamos sólo de su ejecución. Es su propuesta sonora como un todo… como una idea incluso ridiculizando la psicodelia barata. No era una respuesta por responder: cada composición era un argumento sonoro nuevo, que quedaba archivado como base para la apertura al eclecticismo en la ejecución.
Frank Zappa fue un artista integral (director de cine y productor), y eso influye muchísimo a la hora de componer si eres sólo un guitarrista. Todo esto se refleja en la creación del famoso Studio Z, lugar de registro de los diversos proyectos que Zappa forjaba cada día. El no se codeaba ni vivía al nivel alfombra roja. Mientras grababa y producía, formaba power tríos para tocar en bares y así poder financiarse.
Así nació, tal vez, uno de sus grandes hijos: The Mothers of Invention. Una agrupación que sin lugar a dudas fue la punta de lanza del hippismo, revelando la mezcla del R&B, rock y folk de la subcultura californiana de los 60’s. Una respuesta clara y justificada musicalmente al consumismo norteamericano.
Lograr tal nivel de trabajo con tanta presión y trabas es imposible. Pero Zappa lo hizo, y lo que es más importante, plantó la semilla del eclecticismo en la disciplina de tocar guitarra… algo vital para todos los estilos… De los artesanos del rock, debe ser uno de los primeros y el más prolífico.
Ok. Nos lanzamos sin piedad. Ya era hora de que estos extraterrestres tuvieran su espacio.
El problema es que son tantos y tan buenos, que claramente este ranking dará mucho que hablar (Son tres partes, así que ha sido harta pega de investigación y clasificación).
Considerar a un guitarrista bueno o malo depende mucho de la oreja y el pelómetro que cada uno tenga como roquero. Es tal la variedad de sonidos que estos druidas han extraído de sus armas, que se hace difícil decir “este es mejor que este otro”.
Por lo mismo, decidí además de los datos pertinentes de cada guitarrista (banda a la que perteneció o con quien grabó), les atribuí una clasificación basada en tres categorías: técnica (experticia en sonido/limpieza/musicalidad), trascendencia (Influencia en el rock) y onda (show, estilo al tocar).
Dicho todo esto, vamos desde el 30 al 21: 30) Gary Moore (Thin Lizzy) Menciones: Técnica y Onda
Este norirlandés fue parte de una rebelde camada de músicos directamente de Belfast. Influido por bandas como Fleetwood Mac, Moore fue una esponja al trabajar con muchos dioses de la época como Ginger Baker (baterista de Cream), Ozzy Ossbourne y el gran B.B. King. Con el último, se incrustó entre los grandes del blues-rock.
Su sonido se enriqueció con el blues, tomando en cuenta que venía de un hard rock europeo fuerte con Thin Lizzy. Tal vez es esa mezcla que le dio la sensibilidad para hacer tal vez el último mejor blues de la historia “Still got the blues”, canción que aún perdurará en la memoria de muchos. Un tremendo guitarrista que ya no está con nosotros, pero que rescató de manera sabia la fusión del rock y el blues, clave en este raking. 29) Alvin Lee (Ten Years Alter) Menciones: Onda y Trasendencia
Una máquina. Cantante y guitarrista de la banda británica que salió más veces de gira a Estados Unidos (28 veces en 7 años). Un sonido único y esencial.
Lee empezó con un fuerte sonido blues y jazz en los clubes más importantes de Europa, en la misma época de The Beatles. De hecho muchas veces se toparon en locaciones. Nadie se hubiera imaginado lo que pasó después…
El oriundo de Nottingham y su banda abren su música hacia gringolandia. ¿Resultado? Una de las grabaciones en vivo más legendarias en la historia del rock (“I’m going home” Woodstock 1969), la primera muestra clara y absoluta de una relación sexual perfecta entre el rock y el blues… y sería por toda la eternidad…
Si le falta onda, me avisan… 28) Vernon Reid (Living Colour) Menciones: Técnica y Onda
Nacido en Inglaterra pero criado en Nueva York, Reid fue alumno de una de las escuelas de Ingeniería más prestigiosas de Estados Unidos. ¿Habrá sido eso que cultivó su eclecticismo?
Con eclecticismo me refiero a la variedad de sonidos que Reid mezcló en su manera de tocar la guitarra, llevando el funk y el soul a una explosiva mixtura con el hardcore y el metal en Living Colour.
Y claro, una banda negra hard rock a finales de los 80’s ya era raro. Pero esa “rareza” ganó 2 Grammy’s a mejor banda rock en plena época glam, y Reid era el puntal de ese sonido caracterizado por solos veloces de mucho vibrato, una ecualización casi speed metal y barridos de tapping muy Van Halen.
Un bicho raro virtuoso para su época… un rompe esquemas. 27) Marty Friedman (Megadeth) Menciones: Técnica
Friedman es uno de los artesanos de esta lista, ya que a pesar de que muchos sólo lo conocen por ser el primer guitarra de Megadeth, él fue un interesante experimentador de sonidos entre el metal neo clásico europeo y el rock progresivo.
Y claro, en su banda anterior Cacophonfy, Friedman (a causa de todo esta “experimentación”) amalgamó un estilo inimitable para tomar la uñeta y tocar, invirtiendo algunos “rasgueos” y usando la base de la mano como apoyo, logrando arpegios y barridos que convencionalmente no se lograrían.
A todo esto le sumamos 5 tremendos discos con Megadeth exitosos en todo el mundo… nada más que decir… un virtuoso. 26) Angus Young (AC/DC) Menciones: Onda
Nadie, absolutamente nadie más que Angus Young hace mejor el duckwalk de Chuck Berry. Y no sólo eso.
Young es el vivo ejemplo de que el hard rock y el look pueden convivir sin agarrarse a combos. Su vestimenta escolar, su clásica guitarra SG, sus cachos y su impresionante energía en escena trascienden mucho más allá de una técnica depurada. Uno ve a Young en vivo y sabe que el tipo está hecho de átomos de rock. Él simplemente depura su explosividad hacia una entrega de rock sensitiva ineludible, haciéndolo protagonista infaltable de cualquier concierto de AC/DC. 25) Randy Rhoads (Ozzy Osbourne) Menciones: Onda, Técnica
Para acompañar al rey de las tinieblas como primer guitarra debes ser un músico superlativo. Y eso era Rhoads.
Dentro de su exitosa carrera, este californiano de tomo y lomo se paseó entre Gibson Les Paul, Jackson y Fender Stratocaster, sin cambiar un ápice de su sonido. Eso se llama feel, y no todos los guitarristas lo tienen.
El sólo de “Crazy Train” (catalogado el noveno mejor solo de la historia del rock según la revista Guitar World) es un vivo ejemplo del estilo que Rhoads implantó en el metal, que sin querer se parecía muchísimo a la escuela de Ritchie Blackmore. Solos basados en muchos armónicos y tapping, estirando la métrica al máximo sin perder un sonido poderoso a la hora de los riffs. La única diferencia con el gran Ritchie es que este último exploraba y aplicaba escalas tremendamente vanguardistas.
Aún así, a Rhoads podríamos catalogarlo como un semidios de la guitarra. Lástima que no haya sido inmortal. 24) John Petrucci (Dream Theater) Menciónes: Técnica
Si existe algún adjetivo para describir a este oriundo de la gran manzana dentro de esta primera parte de la lista, es de ser el mateo.
Estudiante de la afamada Escuela de Música Contemporánea de Berklee. Seguidor y amante de los doctos de la guitarra como David Gilmour, Stevie Ray Vaughan y Brian May. Más de 20 discos grabados junto a su banda Dream Theater desde 1989 y una docena más entre Liquid Tension, G3’s y cooperaciones varias (entre ellas Loudspeaker del 2006 junto a Marty Friedman).
Una técnica depurada y estudiada hasta la más mínima nota. Velocidad, limpieza y musicalidad a un nivel que roza la perfección.
¿¿Dónde está el problema entonces??
Al igual que muchos puristas del rock, la cosa no es solo técnica. Y Petrucci, siendo parte de una de las bandas con mayor fidelidad en el metal progresivo en todo el mundo, cae en la misma laguna de sus compañeros… la transmisión de sensaciones.
Y no hablo de que no lo hagan, pero es tal el nivel de perfección al que aspira cada vez que su sonido se despega de lo corpóreo, quedando casi como un “sesionista” inamovible con el cual uno puede cerrar los ojos y escuchar a ciencia cierta la misma fidelidad de un CD. Y el rock no es solo eso.
Sé que hay muchos que defienden a Petrucci a muerte. Y están en todo su derecho. Su manera de tocar es escuela para muchos que nacen con el metal progresivo en la sangre. Pero el virtuosismo de tocar todo “pegado al libro” no te hace ganar el olimpo. El efecto pelómetro, vital en el rock, es una conjunción de sonido y “carne”.
A pesar de todo, de los 30 que presentamos acá debe estar entre los 3 mejores en cuanto a técnica… pero por paliza… 23) Steve Vai Menciones: Técnica, Onda
Si te gusta la guitarra y tienes la suerte de hacerle las transcripciones de guitarra al gran Frank Zappa, vas por buen camino. Mejor aún si a los 14 años tomas clases con un profesor de 16 llamado Joe Satriani… ese es el inicio de Steve Vai.
“Ibanizta” de pies a cabeza, también graduado en Berklee, Vai forjó de manera definitiva su sonido a través de la influencia de Jeff Beck y el cesionista Allan Holdsworth, dándole así ese abanico de sonidos y ritmos que lo caracteriza, pasando desde baladas hacia un rock ecléctico. Eso lo hace ser por supuesto, número obligado en cada G3.
Muchos hablan de ser uno de los reforjadores de la guitarra de siete cuerdas, como también uno de los padres del rock instrumental. Y claro, a sus 51 años sigue practicando 8 horas diarias.
Tal vez su único punto débil es un asunto absolutamente opuesto al caso Petrucci.
Vai explota la onda en vivo muchas veces de manera desmesurada.
Ok. Es un capo sin lugar a dudas, pero muchos colegas concuerdan en la idea de que Vai adopta una pose muy “divo” para un sesionista en sus shows. Si ponemos al G3 en la mesa, Satriani tiene una pose pero que raya en el endorsement y todo el pop relacionado con el “guitarrista sesionista”; Malmsteen en tanto, es el gordo drogadicto oveja negra pero hecho de células roqueras íntegras y los dedos más rápidos del oeste.
Consideraciones más, consideraciones menos… Steve Vai es un guitarrista de excelencia, y no se guarda nada en sus conciertos… eso se agradece 22) Michael Angelo Batio (Nitro, Holland) Mención: Técnica, Trascendencia
Calificado por la revista Guitar One como el guitarrista más rápido del mundo, Batio se enmarca dentro de aquellos guitarristas sin límites de exploración sonora e instrumental, basado en lo que es su más conocida experticia: la velocidad.
Más allá de ser inventor de la doble y cuadruple guitarra (con la que es capaz de arpegiar a mano separada), y un atenuador de cuerdas para la limpieza de los legato, Batio pertenece a esa rara raza de músicos “esponja” de aprendizaje adelantado.
A los diez años comenzó a tocar guitarra, y a los doce ya tocaba más rápido que su maestro. Ganador de premios de Jazz en su universidad Northwestern Illinois, donde se graduó en Teoría y Composición Musical. Su técnica se le consideraba vanguardista y explosiva, tomando en cuenta que tomaba la guitarra de modo diestro siendo zurdo.
Más allá de su carrera en bandas como Holland y Nitro (junto a Jim Gillette), su aporte va más allá. Fundó uno de los primeros sellos on-line de la historia del rock (MACE Music). Inventó la técnica over-under, que consiste en tocar el brazo de la guitarra de arriba hacia abajo, tal cual un piano. Y por supuesto, su más destacado dote que incluso pone en tela de juicio quien es el verdadero forjador del tapping como recurso musical (pugna con Eddie Van Halen): El barrido de cuerdas de tres dedos fijos, usando sólo el índice y el pulgar para la uñeta. Una técnica que según muchos expertos, no se ha visto nunca antes en el rock. 21) Tom Morello (Rage Against The Machine, Audioslave) Mención: Técnica, Onda, Trascendencia
Para el último escalón de esta primera parte dejamos a tal vez, uno de los guitarristas más innovadores y vanguardistas de la era moderna del rock.
Hablamos del lugar 26 en la lista de los 100 mejores guitarristas de la revista Rolling Stone. Hablamos de un Cientista Político graduado con honores de Harvard, que aún así ensayaba 8 horas diarias junto con quien es hoy el guitarrista de Tool, Adam Jones.
Hablamos de un anti-racista y defensor de los derechos de las minorías, basándose en toda la defensa de las razas de color alrededor del mundo. Estudioso de líderes como Malcom X y Rosa Parks, lo que se refleja en el álbum de RATM Renegades, donde su primer sencillo “Renegades Of Funk” es la reversión de un clásico de uno de los DJ’s más influyentes e importantes en la difusión del hip-hop y la defensa de la raza negra, Africa Bambaataa.
Es éste último estilo musical en el cual Morello basa su técnica, mezclando riffs metal y punk con sonidos de su natal Harlem. Rompiendo fronteras y protocolos para tocar guitarra, combina su invariable pedalera plagada de delays y whammy’s con el switchear cápsulas, golpear las cuerdas con la mano para el famoso efecto helicóptero de “Cochise”, o el famoso scratch de “Bulls on Parade” y mi favorito: el golpe de puente con el cable en “Testify”.
Un tremendo guitarrista que además transmite un tremendo mensaje de igualdad, plasmado en su fusión única e irrepetible de estilos a través de su instrumento. Y para que vean que el rock y lo ecléctico son más cercanos de lo que creen: ¿Saben quien fue el profesor de guitarra de Tom Morello en el colegio? Michael Angelo Batio, de quién sacó sus primeras ideas.
